Soy de los que piensa que los «días de» debieran de celebrarse cada día. Lo mismo cuenta para el Día Internacional de la Mujer. Pero la inminencia de la conmemoración dispara las reflexiones. Hoy voy a escribir sobre algunas mujeres a las que admiro y respeto.
Primeros amores
Siempre tuve una deuda con mi madre en este blog. Esa mujer de casi noventa años marcó a fuego mi personalidad y la de mis hermanas. Hija de calabreses emigrados a Argentina a finales de la década del 20 del siglo pasado, creció con la cultura del trabajo y el esfuerzo. Sobrevivió a un accidente de coche gravísimo, tuvo su propio negocio y estudió de mayor. Fue madre desde muy joven, y nunca, nunca paró de trabajar. Así y todo, siempre tuvo tiempo para estar ahí, escuchando, dando el consejo adecuado en el momento justo. Se preocupó por que tuviéramos acceso a una buena educación y conformó un tándem ejemplar con mi padre. Mis valores, mi honestidad y ese énfasis por decir la verdad en cualquier circunstancia se convirtieron en una constante en mi vida.
Un reconocimiento que se merece y que necesito expresar en este espacio, para una mujer que fue capaz de atravesar el siglo XX superando las barreras de género.
Madonna
Mi adolescencia coincidió con el auge de Madonna. Cuando la veía en la tele me quedaba hipnotizado. Aquella pequeña chica de ascendencia italiana atiborrada de cruces se contorneaba, saltaba, bailaba y hacía unos videoclips que me encantaban. Eran los ochenta. Llevaba una foto de ella en mi carpeta mientras estudiaba en la secundaria, que me costó alguna reprimenda de un profesor. Además, una superstar como Madonna que hacía música tan comercial, no era del todo aceptada en la tribu urbana a la que yo pertenecía, más bien de darkies o góticos, como se los conoce actualmente.
Madonna representa muchas cosas. Empezó desde cero y le demostró al mundo que los grandes proyectos no son solo de los hombres. Cuestiona, provoca, innova, es atrevida, además de impulsar e influir a otras artistas. También es una activista crítica con muchas de las injusticias de este mundo. Y como si todo esto fuera poco, es una de las mejores artistas nuestros tiempos, una showwoman en toda regla.
Madonna – Express Yourself (Official Video). youtube.com
Björk
Quizá una de las artistas famosas más difíciles de definir, que, a pesar de su popularidad, cuenta con una obra menos conocida. A mí me gustaría que pase por mi cabeza lo que pasa por la cabeza de Björk, si fuera capaz de pensar como ella, claro… Es posible que sea la representación más visible de la transgresión en varios campos artísticos. Todo lo que hizo la islandesa en la última década del siglo pasado me parece genial. Además, considero la película Dancer in the Dark de L. V. Trier como una obra maestra, en gran parte, gracias a su aportación musical y su interpretación. Otro tema muy distinto es su personalidad, las diferencias insalvables que tuvo con el director danés y algún que otro escándalo. Tampoco olvidemos que fue víctima de un fan obsesionado con ella. Otra mujer que exploró el potencial creativo y el imaginario femenino con una visión muy personal.
björk : army of me. youtube.com
Elizabeth Frazer
Y sí, a finales de los 80, además de escuchar a Madonna, escuchaba a Cocteau Twins. Y si por algo destacaba esta banda, era por la voz angelical de Liz Fraser. Ya hablé de ella en mi entrada dedicada al concierto de Massive Attack en Barcelona. Solo puedo decir que siento una profunda admiración por esta cantante escocesa con más de cuarenta años de carrera, a la que tuve la suerte de escuchar dos veces sobre un escenario. Una voz con una personalidad única.
Otra artista con más de tres décadas de carrera a sus espaldas, y admirada por sus contemporáneos. Me encanta su música, su actitud, su fuerza interpretativa y la personalidad que manifiesta. Ella, aunque fue considerada un ícono feminista, siempre expresó no estar adherida al movimiento. De hecho, dijo en una entrevista «No pienso en términos de género cuando escribo canciones y nunca he tenido ningún problema por ser una mujer al que no pudiese reponerme.» (Smoda / El País, 21/03/2020). Aunque no gustaron a las feministas, estas declaraciones demuestran valentía por parte de la británica. Una artista cuyos grandes logros no exigen adhesión a una militancia… interesante y atrevido al mismo tiempo.
PJ Harvey – This Is Love. youtube.com
Amy Winehouse
Una vida efímera y tormentosa para una de las grandes artistas que tuvimos en este siglo. Renovó y masificó varios estilos musicales clásicos con un talento incuestionable; pero tuvo que lidiar con un entorno de hombres que se aprovecharon de su don artístico, su popularidad y sus adicciones. Quizá no paró de pedir ayuda, incluso, a través de su música. Pienso que debe ser parte de estas reflexiones, porque su muerte prematura nos deja con cierta sensación de injusticia.
Tony Bennett, Amy Winehouse – Body and Soul (from Duets II: The Great Performances). youtube.com
Aretha Franklin
Gran artista i activista que tuvo que lidiar con el machismo y el racismo de la época que le tocó vivir. Fue una precursora. Abrió y allanó el camino para muchas otras mujeres negras que siguieron sus pasos. Y, como si esto fuera poco, fue una de las artistas más influyentes de la música moderna. Una mujer así tiene que estar en este espacio de reflexión.
Aretha Franklin – Think (feat. The Blues Brothers). youtube.com
Sofía Coppola
Una cineasta. Aún sigue siendo bastante desigual la participación de las mujeres en la industria audiovisual, pero, afortunadamente, existen destacadas representantes como Sofía Coppola. Su film Lost in Translation me impactó profundamente de manera positiva, más aún, cuando volví a verlo muchos años después de su estreno. Sí, es verdad que contaba con dos monstruos de la actuación como Scarlett Johansson y Bill Murray, pero Coppola no hizo una comedia comercial, sino un drama con momentos mágicos, maravillosos e inolvidables. La visión y la sensibilidad femenina plasmadas en una obra de culto.
Does It Get Easier? – Lost in Translation. youtube.com
Y hasta aquí un pequeño repaso de algunas de las mujeres a las que respeto y admiro, aunque siempre injusto por las ausencias. Tengo la fortuna de poder relacionarme a nivel personal y profesional con mujeres por las que tengo la misma consideración. Sin ir más lejos, convivo con dos de ellas en casa. Ojalá veamos un mundo en el que predomine la sensibilidad femenina y que rompa con la actitud belicista que tienen algunos gobernantes hombres. Mientras tanto, yo las seguiré admirando.
Christian Flavio Tasso
Aunque basé gran parte del texto en mi memoria, tuve que contrastar algunos datos en las siguientes fuentes:
Ayer iba con mi hija de seis años en el coche. Escuchábamos su lista de canciones, para variar, y me describía la escena del tema que sonaba en ese momento. Yo conducía atento a la carretera, pero presté atención: la canción era instrumental, muy bonita, casi seguro de John Williams y pertenecía a alguna de las bandas sonoras de “Harry Potter”. Ella me contaba que en ese momento del film Harry Potter se sentía libre, incluso me precisaba de cual de las pelis de la saga era. Yo no recordaba la escena, pero la canción transmitía lo que ella me decía y, además, había quedado registrado así en su memoria. Supongo que cada vez que escuche esa canción rememorará esa escena.
Tarantino
El recopilatorio de canciones “The Tarantino Connection” (1996), tenía unas pistas con fragmentos de entrevistas al Quentin Tarantino. En uno de estos, él hacía la siguiente afirmación sobre la música que escoge para sus obras “(…) puedes hacer lo que las películas hacen mejor que otras formas arte… (…) realmente trabajas lo visual, emocional y cinematográfico de un modo especial, realmente muy especial… Y cuando lo haces correctamente y aciertas, el efecto es que no puedes volver a oír esa canción de nuevo sin recordar esa imagen de la película” (1) El maestro Tarantino confirma el sentimiento expresado por mi hija al escuchar ese tema de Harry Potter.
Prefiero pensar que quienes hacen de este mundo un lugar mejor, y la creación artística contribuye a esto, nunca mueren, ya que su obra perdura. Si hablamos de cine, todos hemos asumido unos códigos narrativos que se han consolidado con el paso del tiempo. Sabemos que en el cine confluyen muchas formas de arte: el teatro, la pintura, la fotografía, la arquitectura y la música entre otras. Pero el arte, como representación de una forma de ver la vida, tiene una contrapartida, que, en esencia, le da sentido al blog que llevo diez años escribiendo: cambia nuestra percepción de la realidad.
El universo que ideó Sergio Leone junto a Clint Eastwood y Ennio Morricone tiene peso propio en la percepción de lo que son los westerns. Esa música que creó el compositor, de alguna manera, nos remite a ese oeste creado por Leone, que ni siquiera quedaba en el oeste norteamericano. Y este es solo un ejemplo, considerando que el Maestro tiene más de quinientos créditos en bandas sonoras de diferentes obras audiovisuales entre 1960 y 2020… (2).
En cine podríamos llamarlo universo diegético, ese entorno artificial que asumimos cuando aceptamos las reglas de una narración. Y utilizo el ejemplo del Maestro Morricone porque seguramente todos nos hemos transportado en estos días a esos mundos a los que nos condujo, nos conduce y continuará conduciéndonos su música. El arte siempre fue imprescindible, pero hoy lo es más que nunca por la función psicológica y social que cumple: nos estimula, nos produce una catarsis, nos entretiene, nos cuestiona, nos ayuda a socializar y no discrimina a nadie que lo aprecie, sea de donde sea y crea en lo que crea.
Esta versión es estremecedora:
Por eso mi propuesta en esta denominada “nueva normalidad”, que no deja de ser otra forma de explicarnos una realidad, es que disfrutemos más del arte. Si una niña de seis años tiene sentimientos cuando ve una película y los rememora cuando escucha una canción de esa película, deduzco que las formas artísticas de representar la vida tienen un poder terapéutico muy accesible para todos y que nos une como seres sensibles.
Prefiero pensar que este poder es útil para inmunizarnos del barullo ensordecedor que escuchamos cada día a través de los canales de (in)comunicación a los que tenemos acceso. Es mi deseo, al menos.
Massive Attack en Sant Jordi Club, Barcelona, 16/02/2019
Saturday Night 21:00h
El Sant Jordi Club está ubicado en el complejo construido para las olimpiadas celebradas en el año 1992, detrás del Palau Sant Jordi y junto al Estadi Olímpic Lluís Companys. Todo el conjunto queda en Montjuïc, una pequeña montaña dentro de Barcelona. Esta zona tiene medios de transporte limitados por la noche. Los que tenemos cuarenta larguísimos, nos podemos permitir ir a un concierto en nuestro coche y estacionar al lado de la entrada. Es verdad que llegué una hora antes, pero estaba tan asombrado por la facilidad con la que aparqué que hasta le pregunté a un guardia de seguridad si se podía dejar el coche allí.
En los exteriores, lo de siempre, venta ilegal de cervezas y mi primera sorpresa, esa que nos recuerda que el tiempo pasa para uno también ¡la gente tenía mi edad! bueno, algunos más, creo, y otros pocos, menos.
Interior Sant Jordi Club
El Sant Jordi Club es un espacio amplio, con el techo alto, gradas en uno de los lados, varios puestos de cerveza, un lugar donde vendían frankfurts, un patio interior al aire libre que alberga un local de comida rápida (y también vendían cerveza, claro) y muchísimas salidas. Por descontado, no podía faltar un puesto de merchandising de la banda.
El escenario estaba oscuro y hacían pruebas de sonido. Algunos ya se habían ubicado cerca. Yo di unas vueltas, me tomé una cervecita, observé a la gente, estudié la situación y busqué una buena ubicación a la derecha y cerca del escenario, donde me parapeté veinte minutos antes de la hora programada para que comience el show. Con mi metro sesenta, podía ver gran parte del escenario entre las cabezas.
Puntualidad inglesa
La dinámica de un concierto donde hay mucha gente frente a un escenario esperando a que salgan sus ídolos, es la que es. Las cabezas que tenía delante se multiplicaron… me encanta la gente que hace avanzadillas: viene una persona, una chica con acento extranjero en este caso, levanta su lata de cerveza a modo de estandarte y aparecen tres o cuatro personas (cabezas) más. Una parejita, que al parecer había escogido ese evento como primera cita, les pidió amablemente que se movieran un poco hacia atrás… ¿y quién estaba detrás…? adivinen.
Los minutos pasaban de la hora programada y considerando que se nos había comunicado que el concierto se adelantaba media hora, algunas personas comenzaron a impacientarse. Hay gente que no sabe disfrutar del momento…
Massive Attack (y otras cosas)
Vista entre las cabezas
Pasados unos veinte minutos de las nueve, comienza el concierto. Ni un buenas noches, al grano. Si los que leen esta crónica esperan un análisis profundo del concierto y la banda, con sus influencias y cronología, pueden buscarlo en publicaciones especializadas. Pondré algunas referencias al final. Yo, aunque conocía a Massive Attack desde los noventa, me introduje en su mundo hace relativamente poco y quedé tan impresionado por ellos que no me podía perder esta cita.
Lo primero y más destacable era esa gran pantalla en tríptico y translúcida que había detrás y a los costados del escenario. Allí proyectaron toda clase de mensajes interpelándonos, desde imágenes bucólicas hasta otras reales de guerras recientes y sus consecuencias. Vimos a los líderes que toman y tomaron las decisiones de este mundo en los últimos treinta años. También a famosos. Se tomaron el trabajo de traducir los textos al catalán, algo que me pareció respetuoso respecto al lugar en el que se encontraban. Los mensajes cuestionaban, entre otros temas, nuestro status quo en la sociedad de la información, los algoritmos que escarban entre nuestros datos, en referencia a las redes sociales y la información que compartimos en internet. También versaban sobre los eslóganes que han regido y condicionado nuestras vidas a lo largo de la historia hasta nuestros días. Y muchas cosas más que seguramente me habré perdido. El visual era un espectáculo dentro del sonoro y complementario a este. Recordemos que Mezzanine ya contenía canciones con videos potentes.
Tres pantallas proyectando imágenes
El sonido era alto y bestial. Sabemos que es una de las obsesiones de esta banda. Esas dos guitarras en las canciones más roqueras parecían no tener límite, en especial en piezas con contrastes musicales como Dissolved Girl, Angel o la que ejecutaron para cerrar el concierto Group Four.
Un tema aparte fueron los covers. En un momento del concierto entró 10:15 Saturday Night de The Cure y yo no me lo podía creer. Poco después Bela Lugosi’s Dead de Bauhaus. Mi improvisada compañera (la de la cerveza) estaba extasiada en estos momentos reclamando a viva voz un porro a sus amigos y amigas. Hubo más homenajes a sus influencias según las crónicas especializadas, pero yo, aun sabiendo que no eran temas de los de Bristol, desconocía a los artistas originales.
Otra de las razones por las que fui al concierto se llama Elizabeth Fraser. Yo escuchaba a Cocteau Twins, y tuve la oportunidad de verlos en un teatro de la calle Corrientes de Buenos Aires, si no me equivoco, a principios de los noventa (alguna web dice que tocaron en abril de 1991). Cuando descubrí que Fraser se había unido al proyecto Massive Attack, justamente para el álbum Mezzanine, todas las sinapsis de mi cerebro se confabularon para investigar qué había hecho esta artista escocesa dotada de una voz privilegiada, y les puedo asegurar que no ha parado desde el año 1981. En este concierto, cada vez que apareció, se la celebró con respeto y aprecio. Teardrop es con seguridad la canción más icónica de la colaboración de Fraser con Massive Attack y de no haber sido por quienes se saben la letra y no dejan escuchar el concierto, hubiera disfrutado más de sus registros vocales líricos, uno de los momentos más íntimos del show que puede verse en este video de isafromnowon:
También es de destacar otro de los invitados Horace Andy, el veterano cantante jamaicano de Reggae, que interpretó varias canciones, entre estas Angel. Aquí el video de isafromnowon:
Después del ataque
Se ha de decir que no son muy comunicativos e interactivos con el público, si consideramos que todo el show audiovisual está pensado para que el mensaje cargado y complejo sea unidireccional. Solo creí apreciar un gesto de agradecimiento en el rostro de Liz Fraser al acabar de cantar una hora y cuarenta y cinco minutos después de comenzar el show. Entonces, se apagaron las luces y la iluminación del recinto se encendió ante los rostros perplejos de los asistentes, que tampoco demostramos un entusiasmo desmedido. Segundos después ya estaban desmontando el escenario y las puertas laterales estaban abiertas invitándonos a salir.
Yo, desde mi agnosticismo, no pude más que blasfemar para mi interior “¡Madre de Dios, qué acaba de pasar aquí!”. El concierto me había parecido alucinante. La gente abandonaba lenta y ordenadamente el recinto, ajena a los 8 grados que hacían en el exterior. Lo único que me quedaba por hacer era una última foto.
Final del concierto
Al costado del recinto, esperaba el cohete que trasladaría a estos extraterrestres a Madrid para hacer otro concierto similar al día siguiente, para luego, continuar viaje con todos los que les quedan en Europa y América del Norte hasta principios de abril. Cuando acaben, deduzco, volverán a su planeta.
Christian Flavio Tasso
Nota: todas las fotos que aparecen aquí son mías. Pueden usarlas referenciándome. Gracias. Los videos de youtube pertenecen a isafromnowon. Gracias. (disponibles a febrero 2019).
Esta es la segunda parte de esta entrada donde escribo sobre canciones que llevo en mi cabeza durante años.
Motherless Child – Tom Jones / Portishead
El artista: Cuando era adolescente pensaba que Sir Tom Jones era un cantante para adultos (sí, para los viejos). El galés comenzó su carrera a principios de los sesenta. Un día escuché una versión de Kiss, el tema de Prince, que grabó Jones con The Art of Noise en 1988. Desde aquel momento captó mi atención y a finales de los noventa llegó Reload, un álbum donde hacía covers de éxitos populares modernos acompañado de otros artistas famosos. Reload es fantástico y Jones, aún hoy, tiene una de las mejores y más potentes voces masculinas que conozco.
El tema: Investigando, descubrí que la canción era un blues que se cantaba en la época de la esclavitud a finales del siglo XIX. Hay una versión de la cantante estadounidense Odetta de 1960. Sin embargo yo la conocí a través de Martin Gore, segunda voz, tecladista, guitarrista y compositor de Depeche Mode, que la incluyó como último tema en un disco solista que publicó en 1989, Counterfeit EP.
Hace relativamente poco, el algoritmo azaroso de Spotify hizo que llegara a mis oídos la versión del tándem Jones / Portishead incluida en Reload. Ambos artistas firman un tema mucho más vivo e intenso que el de Gore, interpretado por el galés con su particular estilo y la base musical de Portishead que aporta influencias cinematográficas. Se convirtió de forma automática en uno de mis clásicos personales. “Sometimes I feel like my soul is on fire / And I’m about to die”.
Walking on Ice – River City People
La banda: ¿¡Pero quiénes son estos!? Su origen les da cierto pedigree, eran de Liverpool. Sacaron su primer álbum en 1990, el segundo en 1991 y poco después se separaron. Hicieron un cover de California Dreaming, que es el que más alto llegó en el ranking del Reino Unido, y algunos singles más que desconozco. Están catalogados con el estilo folk rock y su cantante Siobhan Maher, tiene una voz muy bonita.
El tema: Supongo que a principios de los noventa, Walking on Ice debe haber tenido mucha difusión en las radios argentinas, porque yo recuerdo haberla escuchado más de una vez. No era capaz de entender ni el nombre de la banda ni el de la canción, pero sí la frase del estribillo, lo que me ayudó a encontrarla en Youtube años después. No tengo ni idea de por qué quedó esta canción en mi cabeza tanto tiempo, pero aún hoy, me encanta. “I’ve been walking on ice / Someday on the railways / Someday, some night / Somebody’s gonna find me”. Supongo que la música in crescendo con ese bajo y la voz de Maher sumada a la metáfora de caminar sobre el hielo fue lo que llamó mi atención. No escuché ninguna otra canción de esta banda que me gustara.
Avanti Morocha y Otro jueves cobarde – Los caballeros de la quema
La banda: Son de Morón, Provincia de Buenos Aires, y se formaron a principios de los noventa, década en la que sacaron varios discos, tuvieron canciones rotando en la radio y videos en las principales cadenas musicales. En 2002 se separaron y volvieron a juntarse en 2017. Según algunos autores, su estilo musical se engloba dentro de una subcategoría del rock argentino denominada “rock chabón”.
Las canciones: Yo no seguía ni sigo a esta banda, pero recuerdo algunos de sus temas y videos. Respecto a Avanti Morocha, del año 1998, aclarar que este tema se sacó de contexto y se resignificó con finalidades políticas. El autor y cantante Ivan Noble, asegura que nunca autorizó expresamente que su canción se utilizara esta manera. En la letra se habla de una relación desde que empieza hasta que acaba y de cómo él queda desolado “Mi casa es un desastre sin tu risa, / no me dejaste ni las migas, / a cara de perro estoy, extrañándote.” Aunque había escuchado la canción en Argentina y tenía presente el video, cobró más significado para mí en Barcelona. La razón es que, además de agradarle a mis compañeros de trabajo catalanes, me gusta la composición donde utiliza el lunfardo para crear metáforas y convertirlas en poesía.
A Otro jueves cobarde la escuché después y esta versión con el maestro Joaquín Sabina me encanta. En este caso hablan, según interpreto, de la soledad que se siente cuando no hay amor “No eran las esquirlas del rencor, / eran telarañas en el corazón / una flor con lagañas / un desamor sin amor.”
El artista: Andrés Calamaro nació en la Ciudad de Buenos Aires en 1961. Tuvo dotes para la música desde pequeño. Participó y fundó reconocidas bandas musicales de Argentina y España, entre éstas, Los abuelos de la nada y Los Rodríguez. Paralelamente, lleva una prolífica carrera como solista desde hace más de treinta años y es músico invitado habitual de otros artistas. Calamaro es un prodigio en cantidad y calidad de producciones de diferentes estilos.
La canción: Una de las cosas que más le agradezco a este artista, es que te acerca canciones clásicas de otros autores que habitualmente no escucharías por desconocimiento. Estadio Azteca es una enigmática canción del 2004 que aparece en su disco El cantante. Está compuesta por él mismo y Marcelo Scornik. Hay mucha discusión sobre el significado de la canción, pero yo la entiendo como una confesión de las adicciones del artista. Me cuesta determinar exáctamente cuando la escuché por primera vez, pero lo que sí recuerdo es una anécdota sobre la misma. Resulta que hace años, alrededor del 2005, estaba en un pueblo en el interior de Catalunya con mi novia y se celebraba una fiesta local. Allí había una banda tocando canciones, que creo, eran en catalán. En un momento dado, haciendo una respetuosa introducción sobre Calamaro, cantan Estadio Azteca. El que se quedó duro fui yo ante ese improvisado e inesperado homenaje en aquel lugar. Desde entonces, es una de esas canciones que siempre están entre mis favoritas. “Dicen que hay bueno malo, / Dicen que hay más o menos / Dicen que hay algo que tener / Y no muchos tenemos, / Y no muchos tenemos.”
Los artistas: Bajofondo es un colectivo de artistas argentinos y uruguayos. Su obra está basada en la fusión de varios estilos musicales, entre los cuales hay variantes del tango con base electrónica. Este grupo de artistas rioplatenses fue fundado por Gustavo Santaolalla y Juan Campodónico a principios de siglo. El colectivo publicó algunos álbumes de estudio y llevan años haciendo giras por todo el mundo. Tanto la banda como algunos de sus integrantes, han recibido prestigiosos reconocimientos y galardones a nivel local e internacional.
El tema: Perfume, es una canción del año 2004 quetiene como autores a los músicos uruguayos Luciano Supervielle, integrante de Bajofondo; el oscarizado Jorge Drexler y es interpretada por la cantante de tango argentina Adriana Varela. Es un tema que llegó a mí en algún intercambio musical con mi hermana, creo recordar, y su energía me pareció bestial. Como no soy un purista de los estilos musicales, no juzgaré si es un tango o un tema electrónico, solo sé que la fusión musical funciona perfectamente para mi gusto y la letra me encanta. “Me atravesó / Tu suave vendaval / Rumbo a tu recuerdo seguí / La senda de tu perfume” ¡El oxímoron del segundo verso me parte la cabeza!
Quería acabar esta entrada con una canción potente, por lo alto.
Reflexiones finales
Tengo que confesar que escribir este post me comportó más esfuerzo de lo que pensaba. Entre la selección de canciones que finalmente hice, mis reflexiones y una pequeña investigación sobre cada uno de los artistas y los temas, se me había ido de las manos y tuve que reconducir y resumir. Mi intención no era aburrirlos, sino más bien compartir percepciones personales relacionadas con estas obras.
Se podría decir que hice una especie de streaptease musical, pero que no llegó a ser integral. En cada uno de nosotros la música funciona de manera distinta. Este ejercicio de escritura me obligó a conectar con los últimos treinta años de mi vida y viajar a través de muchos recuerdos latentes en mi mente.
Espero que hayan disfrutado, y en algún caso, descubierto algunas de las canciones enumeradas. Me encantaría que compartieran algún sentimiento o experiencia propia relacionada con la música, si alguien se anima, claro, así todos nos enriquecemos.
Porque, tomándome el atrevimiento de reformular la frase de Rick Blaine en Casablanca, siempre nos quedará la música.
Ah, perdón, la sorpresita. Esta es la lista de reproducción en Spotify, lo más aproximada posible, de las canciones mencionadas en esta entrada.
Adenda
Hace pocos días vi el Talent Show “La Voz” en su edición española. La última concursante, Lydia Ruiz, cantante de metro, interpretó Boig per tu de Sau, un tema muy bonito (a mí me gusta) y un clásico de la música moderna catalana. Nunca se había cantado un tema en catalán en ninguna edición de este programa. Antonio Orozco, también catalán, se giró. Alabó la valentía de la concursante y dijo visiblemente emocionado “(…) La música una vez más, no entiende de fronteras y hace que todo lo que nos parece a los demás trascendente, deja de serlo”. Relacionado a lo que comenté al principio de la primera parte de esta entrada, suscribo totalmente a sus palabras. Para mí vale mucho más lo que nos une que lo que nos separa.
Aquí el momento
Afortunadamente, y me repito una vez más, siempre nos quedará la música.
¡Hasta la próxima!
Christian Flavio Tasso
Aclaraciones sobre este post (parte I y parte II)
Consulté varias fuentes de información para confirmar algunos de los datos publicados, pero no siempre coincidían entre ellas, por lo que utilicé mi criterio de selección y me decanté por la que consideré más fiable. Es posible que la letra de alguna canción publicada en internet no coincida exactamente con la versión cantada. Siempre intento utilizar las versiones oficiales de los videos, pero no los hay de todas las canciones escogidas (o no los encontré). Lo mismo aplica para la playlist de Spotify, que incluso, puede no funcionar correctamente en algunas regiones.
Llevo tiempo queriendo retomar este blog. De hecho, tengo varias entradas en las que he comenzado a trabajar. Al parecer los acontecimientos de los dos largos años desde que publiqué mi última entrada me han excedido… Mentira, no es eso… hay asuntos de los que directamente prefiero no hablar. Quiero escribir un post más lúdico, más relajante.
Pienso que una manera de observar la realidad es a través del arte. En esencia, ese es el lema de mi blog. Ya publiqué varios posts sobre música. Escribí sobre mi época dorada en esta entrada; del concierto de The Stone Roses en Barcelona en esta; de pasión, música y religión en esta; y le hice un pequeño homenaje a Gustavo Cerati aquí. No volveré sobre estos artistas e intentaré no repetirme.
Hoy quiero hablar de canciones; sí de esas canciones que suenan en tu cabeza durante años y no sabés por qué. Está claro que la música es un gran vehículo que nos remite a momentos de nuestra vida, buenos y malos. Además, sin importar el idioma, la música acerca a las personas. Es una forma de comunicarse, de expresarse, un ritual desde antaño que aún se mantiene hasta nuestros días. Es catarsis, identificación, identidad, placer y dolor… Y muchas veces, es poesía de la buena.
Las canciones que enumero a continuación no son un ranking, ni son todas las que querría incluir. Algunas, incluso, pertenecen a estilos y artistas que no forman parte de mis gustos musicales. Sin intentar justificarme por ello, claro.
El loco – Babasónicos
La banda: Babasónicos es una banda argentina que empezó a sonar en la década de los noventa. Por entonces, a cualquier grupo que no entrara dentro de un género musical tradicional, se lo denominaba “alternativo”. La verdad es que hacían una música que para los que estaban acostumbrados a los circuitos comerciales era “rara”. Ecléctica, sobrecargada en sonidos nuevos y con letras muy imaginativas que utilizan un léxico que, por momentos, puede parecer elevado. Proponen una fusión de estilos y una voz principal muy característica.
El Tema: En algún momento posterior al comienzo de este milenio llegó a mis oídos una versión de El loco, canción de 2001 del disco Jessico, tocada por Lito Vitale y cantada por la genial Hilda Lizarazu. La letra me atravesó la cabeza apenas la escuché “Soy víctima de un dios, / frágil, temperamental, / que en vez de rezar por mí / se fue a bailar” y luego dice “Se fue a la disco del lugar, / quiso mi disfraz, / vivir como un mortal, / como no logró matarme / me regaló una visión particular.” La letra de esta canción no tiene desperdicio. Los locos tienen (¡o tenemos!) una visión propia del mundo.
Mano a mano – Carlos Gardel
El artista: Carlos Gardel es un ícono y un intérprete único. Antes de morir en un accidente de avión en 1935, nos dejó grandes obras que se han convertido en clásicos y versionado innumerables veces hasta nuestros días. Este tango es de 1923 y la letra es de Celedonio Flores. Durante la investigación para escribir esta entrada, averigüe que un gobierno militar prohibió el uso del lunfardo y existe una letra alternativa de la misma canción.
El tema: Es difícil explicar con palabras la relación que tenemos los argentinos con el tango. Lo escuchemos o no, es parte de nuestra identidad, y si estamos fuera del país, aviva nuestro lado nostálgico. En casa se escuchaba tango, pero de joven nunca fui demasiado tanguero. Con el paso de los años amplié mis horizontes musicales y Piazzolla entró en mi vida. Después, empecé a prestar atención a las letras… Filosofía y poesía popular en su máxima expresión. Un día cualquiera de este milenio, presté atención a la letra de esta canción. El protagonista de Mano a mano es un hombre que amó mucho a su mujer hasta que lo dejó por otro rico que le podía dar una mejor vida “Tu presencia de bacana puso calor en mi nido, / fuiste buena, consecuente, y yo sé que me has querido / como no quisiste a nadie, como no podrás querer.” Despechado, él le dice que han quedado en paz, que no le debe nada “Nada debo agradecerte, mano a mano hemos quedado; / no me importa lo que has hecho, lo que hacés ni lo que harás… / Los favores recibidos creo habértelos pagado / y, si alguna deuda chica sin querer se me ha olvidado, / en la cuenta del otario que tenés se la cargás.” Es posible que el uso del lunfardo haga que los que no son argentinos se pierdan algunas cosas, aunque lo esencial se entiende. Como no voy a traducir una obra maestra, aquí hay un diccionario.
Roads y The Rip – Portishead
La banda: Mi relación con Portishead es incondicional. La primera vez que vi y escuché a esta banda de Bristol fue entre mediados y finales de los noventa, después de publicar su disco debut Dummy (1994). Solo tienen tres álbumes de estudio realizados entre 1994 y 2008. Su música es una fusión de distintos estilos, por lo que podría entrar dentro de la categoría genérica experimental / alternativa. Varias de sus canciones se han utilizado tanto en anuncios publicitarios (he visto de perfumes y coches) o en películas, por lo que seguramente, incluso los que no los conozcan por el nombre, alguna vez los han escuchado.
Los temas: No puedo precisar si llegó primero a mis manos Dummy o vi a Beth Gibbons en la TV aferrada a un micrófono, al tiempo que fumaba y cantaba de forma agónica. La considero una de las mejores intérpretes que he podido escuchar. Roads y The Rip pertenecen a su primer y a su último disco de estudio respectivamente, el ya mencionado Dummy (1994) y The Third (2008). Roads es una canción muy triste, posiblemente una de las más oscuras que conozco. Los cambios de voz de Gibbons, la afectación con que la interpreta, junto al sutil y acompasado acompañamiento musical generan este clima de tristeza “How can it feel, this wrong? / From this moment / How can it feel, this wrong?”. Es una de mis canciones preferidas.
The Rip, publicada catorce años después, es otra canción triste, que comienza de forma suave con un instrumento de cuerda que acompaña a la voz de Gibbons y va in crescendo hasta transformarse en un tema de base electrónica. “Wild, white horses / They will take me away / And the tenderness I feel / Will send the dark underneath / Will I follow?”
Portishead siempre ha sido mi refugio incondicional en el que escuchar buena música y algunas de sus canciones me recuerdan que algunas veces, podemos permitirnos sentirnos tristes.
Y aquí, el inquietante video de The Rip
Días de verano – Amaral
La banda: Amaral es una banda originaria de Zaragoza que nació durante los noventa. Su éxito masivo llegó con su álbum Estrella de Mar publicado en el año 2002, el cual tuvo muchísima difusión y varias canciones que se convirtieron en clásicos modernos de la música española. Su estilo musical se podría englobar en la categoría pop rock, destacando la magnífica voz de Eva Amaral.
El tema: Estrella de Mar me pareció un excelente disco que escuché mucho en aquel momento, pero la canción que más me rondó la cabeza es la versión acústica de una que sale en el siguiente disco Pájaros en la cabeza, publicado en 2005. Cada uno puede encontrar su significado, pero para mí Días de verano habla de esos amores fugaces que nos dejan marca cuando se acaban. Siempre hay alguien que sale lastimado, pero al parecer, el dolor, no es solo cosa de uno o de una… “Si pienso en ti siento que esta vida no es justa / Si pienso en ti y en la luz / de esa mirada tuya.” Otra canción triste.
No me arrepiento de este amor – Gilda
La artista: ¡Una cumbia! No, no me volví loco. Primero intento poner todo en contexto basándome en mis recuerdos, experiencias personales y recopilación de datos. Durante la década de 1990, este estilo de música tropical importado desde países caribeños décadas atrás e influenciado por la música local, cobró una notable popularidad en Argentina. Existían megadiscotecas totalmente orientadas a esta música y su público principal era gente de clase obrera. Su sonido está basado en melodías repetitivas con estribillos pegadizos, destacando la percusión y los instrumentos de viento. En este marco dominado por varias estrellas, aparece a principios de los noventa una rara avis, Miriam Alejandra Bianchi, más conocida como Gilda. Ella era una maestra jardinera, casada, con dos hijos, que vivía en un barrio residencial de la Ciudad de Buenos Aires. A los treinta años se presentó a una audición y allí comenzó su carrera musical. No perteneciendo a ese ambiente, con su familia en contra y muchos problemas al principio, consiguió el amor y el reconocimiento de su público gracias a su carisma y su voz dulce. Falleció en un accidente de autobús en 1996 camino a una presentación. Muchos de sus seguidores la consideran una santa y con el tiempo se convirtió en un ícono de la cultura popular argentina.
El tema: Nunca me gustó la cumbia, pero no negaré que la bailé alguna vez. Por entonces, tampoco acababa de entender esa fascinación que tenía mucha gente por Gilda y por qué su muerte había sido una tragedia nacional para ellos. Pero el tiempo hizo su trabajo y la recomendable película que dirigió mi profesora de guion de antaño Lorena Muñoz, Gilda, no me arrepiento de este amor (2016) protagonizada por Natalia Oreiro, terminó de confirmar por qué algunas canciones de esta artista siguen en mi cabeza. “No me arrepiento de este amor / Aunque me cueste el corazón / Amar es un milagro y yo te amé / Como nunca jamás lo imaginé”. Es destacable, además, que una banda de punk rock como Attaque 77 haya grabado una versión de la canción, otorgándole reconocimiento y resignificación fuera de su ámbito.
Aunque no escucho cumbia, me gustan algunas canciones de Gilda y me recuerdan que la cultura, el arte y la poesía pueden cobrar formas inesperadas para nosotros.
Hasta aquí la primera parte de esta entrada. Además de compartir buenos temas, quería acabar con buena onda, y espero haber cumplido el objetivo. Si en la primera parte te sorprendí con alguna de las canciones, la segunda, que publicaré en unos días, promete.
Además, para los que aguanten hasta el final, hay una sorpresita.
Blog de Christian Flavio Tasso 